한국전쟁으로부터 모든 것이 파괴되었다. 일상의 터전, 가족 관계, 삶의 예측 가능성, 한 사람 한 사람의 역사 속 일원임을 일깨워 주던 모든 관습과 제의들까지. 당장 끼니를 해결할 방법부터 사회 존재로 서는 일까지 모두 개인의 몫이 되었다. 재건해야 할 것은 국토뿐만이 아니었다.

2020년 우리는 다시 코로나19 팬데믹으로부터 현재를 재창조하고 촉매제처럼 불평등을 더욱 두드러지게 만들고 있다. 이것은 전염병뿐만 아니라 시민권 운동, 인종 문제에 이르기까지 평등을 위한 모든 법적 조치와 사회 운동에도 불구하고 여전히 사회를 분열시키는 구조적 인종주의의 표현들도 거세지고 있다. 일상 세계의 축소판에서 붕괴 직전의 경제까지; 대유행의 긴급 상황에서 현대 사회의 기반이 되는 구조와 조직 형태가 가시화되었다. 확산에 대한 투쟁은 잠시 동안 지배적인 자본주의 논란에 어긋나고 동시에 위기는 감시국가의 지원으로만 통제할 수 있는 예외적인 상황이 되고 있다.
전염병은 삶의 모든 영역의 진화와는 반대로 사람들을 멈추게 만들고 있다.
예술가와 사람들은 대안을 어떻게 경험합니까?
코로나19 팬데믹이 예술을 어떻게 바꾸고 라이브 경험을 어떻게 바꾸고 있을까요?

이영호는 전시, 공연, 심포지엄 워크샵이 실종 되어지는 현재를 어떻게 대처해야 하는지에 심층 있게 고민하고 연구하고 있다.특히 다채널 미디어 설치를 연구하는 작가에게는 예민하게 영향을 미치고 있으며, 이러한 영향으로 인한 작업의 형식과 담론적 디지털 플랫폼의 질문을 중심으로 모색 중에 있다.

최근 한국 대중문화는 세계화와 현지화에 성공하며 세계의 주목을 받고 있다. 그 중 K-Pop 음악은 경제뿐만 아니라 사회문화 환경과 함께 음악산업 변화에도 큰 영향을 끼치고 있다.이 프로젝트는 서울이라는 도시안에서 한국의 음악적 '리듬' 개발에 관한 영화, 비디오와 음악이 합쳐지는 형식의 아카이빙 ‘키노 음악 프로젝트’이다.
대서양을 넘어 - 어떻게 식민지 후 수용 및 전송 프로세스는 현재의 리듬에 등록될 수 있었습니까?
이영호와 디제이 소울스케이프는 한국의 독특한 '하이브리드'음악 문화의 역사적 창조를 탐구하며, 1960~1970년대부터 제작되고 수집된 출판물, 유물, 음악, 영화의 풍부한 역사를 탐구하고, 수집된 자료와 적정한 이미지와 텍스트를 연구하고, 발굴하여 역사학으로서, 무빙이미지들과 사운드는 꼼꼼하게 연구 되어진다. ‘무빙이미지와 음악의 협업’의 차원을 넘어 독립된 무빙이미지 와 음악이 각각 다른 플랫폼에서 독립체이자 협업체로 역할을 하면서 공연 음악과 영상이 구현되는 새로운 방식과 이를 통한 무빙이미지와 음악의 아카이브 유통 공간의 확대를 모색하고 있다.1910-1945년, 한국 문화는 일제강점기 지배에 의해 억압되었고, 한국 음악은 금지되었고 일본의 소리로 대체되었다. 한국 정부는 매스미디어인 텔레비전과 라디오 방송국을 설립하여 대중문화를 선전목적으로 이용했다. 대한뉴스가 한 예다. 한국 예술가들은 이주하여 다른 곳에서 유명해졌으며, 서울에서는 전통음악이 부활하고 서양 대중문화와 융합되었지만, 이마저도 잠시 간략하게 남아 있었다. 1961년 군사 쿠데타와 이후의 군사독재로 새롭게 피어나는 대중음악 문화는 다시 사라졌다.

이번 프로젝트는 한국의 정통 음색이 비오토프처럼 도시에서 잊혀졌던 사운드트랙을 찾고 복원, 새로이 디지털 아카이빙으로 새로운 문화생태계를 구축하여 보호하고 알리고자 함이다.이 프로젝트는 검열과 선전이라는 이름으로 펠멜(pell-mell)을 만들고 보존하고 파괴된 시각적, 오디오 녹음의 감각을 만드는 문제와의 창의적인 대결에서 비롯된다.‘키노 음악 프로젝트’는 공간의 환각적인 청각 및 시각적 단서를 보완, 기록 영상에서 새로운 사운드트랙을 만들어 이 수수께끼를 해결한다. ‘키노 음악 프로젝트’선택은 영원히 잃어버린 세상에 굴복해야 하지만 새롭게 발명되고자 함이다. 영사기가 발명되며 영화가 시작되었고 축음기가 발명되며 음악을 기록하게 되듯 말이다.
Framing the development of the musical rhythms of Seoul and South Korea, this project attempts to question on how appropriation and postcolonial transition processes are applied to contemporary rhythms. It is motivated by the historical growth of the entertainment industry since the Korean War, the times when traditional culture and Korean style are reinterpreted, as well as the fusion of folk songs or the nation’s traditional instruments blending with Western pop music, and the history of how the Korean government uses popular culture for propaganda purposes through the development of mass media (television and radio stations). This project is part of a research, exploration and appropriation of images and texts from various archives, recorded, sources from various collections, as well as an exploration of the rich history that exists in various publications, artefacts, and music and films products made and collected from the 1960s to 1970s in South Korea. Through this project the artist also wants to protect and reenact the audio-visual recordings like a biotope in which authentic Korean tones refer to busy big cities. As a visual mapping of experimental documentary approaches, this project is Youngho Lee’s visualisation of the technical (and spatial) structure that characterises South Korean musical rhythms which, in all aspects (economic, political and cultural) is related to the “progress” of the USA. This visualisation is presented as a story of how that have thus far been based on Western perspectives. postcolonial appropriation is utilised in recent developments and connected as a way of challenging the structural definitionsontemporary Korea.